Wednesday, May 7, 2014

Etapa Final

Critica Artística 

Barry_Philoctetes_Lemnos.jpg
Philoctetes (Romanticismo) La pintura hecha por James Berry “Philoctetes” es una obra que a simple vista podemos observar como Philoctetes, hijo del rey Poeas, quien participó en la Guerra Troyana, lo proyectan como decaído, angustiado y como guerrero, ya que, es el enfoque más grande en la obra. Sin embargo el color en la obra llega a ser oscuro y brillante ya que se usan colores opacos. Tiene una textura simulada ya que es la ilusión o apariencia representada por el artista. Se puede observar que su línea principal es vertical por su forma de sentar, cual llega a reflejar fuerza, esta fuerza puede determinar el enojo, la venganza hacia alguien. Se pueden observar animales muertos como dando a entender que hubo una derrota, el dios Philoctetes llega colgado sus arcos, telas alrededor de su cuerpo, recargado en un tronco y finalmente sentado arriba de una piedra con el dibujo de una diosa. Tiene un espacio tridimensional, ya que a lo profundo de la obra, se puede observar un mar con un cielo nublado. El balance de la obra el radial, ya que, se logra que Philoctetes se acomode alrededor del punto central. El énfasis primordial es Philoctetes, ya que demuestra la fuerza y la valentía. Finalmente, la proporción es correcta, ya que da un sentido de orden al usar las proporciones correctas en forma, color y tamaño.



Evolución del pensamiento humano a través del arte. 

Tanto el pensamiento humano, como el arte, han sufrido cambios y transformaciones a lo largo de la historia. Podemos ver, que a lo largo de nuestros parciales nos enfocamos en distintas etapas del arte, comenzando por las etapas de la Antigüedad Clásica, después continuando con la Edad Media y finalizando en la etapa de La Edad Moderna (Renacimiento, Barroco y Neoclásico), donde el arte tuvo su mayor apogeo. Analizando todas estas etapas y distintos tipos de arte, nos pudimos dar cuenta de cómo el pensamiento en las personas fue evolucionando, y con esto, el arte también fue afectado por ello. El Arte Clásico Griego, contaba con una significativa manifestación de armonía equilibrio y proporción; se podria decir que esto tuvo influencia de los hombres sabios y filósofos que respetaban las creencias tradicionales politeístas, por eso el arte era de tal manera. El cristianismo aun no llegaba a modificar el arte hasta que los bárbaros llegan y se considera el cambio a la Edad Media. Si hablamos de la Edad Media, se debe mencionar la importancia del teocentrismo en la época, tanto en el pensamiento de las personas hacia una nueva ideología la cual tiene a Dios como centro de todo, afectó muchas cosas y entre ellas el arte. Pasando por el estilo mozárabe, tosco y tratando de asemejar el clasicismo; el románico del arco de medio punto y el contrafuerte; y por último el arte gótico, con su arco ojival, las vidrieras y las torres esbeltas con los picos apuntados al cielo, gran movimiento espiritual. Después de la etapa de la Edad Media, pasamos a la Edad Moderna, donde el teocentrismo quedó atrás y fue reemplazado por el antropocentrismo, corriente que consideraba como centro del universo y de todo al hombre. Todo este cambio de ideología tuvo influencia en el arte de nuevo como en otros campos. Ademas, en la epoca del Renacimiento es importante exaltar la presencia del humanismo. Para los artistas de la época, el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y a la iglesia, sino un trabajo personal en alabanza a la belleza. Por todas estas razones, el arte Renacentista se caracteriza por las siguientes técnicas: el fresco, el temple y el óleo; se destacan las expresiones humanas y el uso de auras de luz; el cuerpo humano plasmaba movimiento para poder encontrar equilibrio y perfección, y los materiales para estas esculturas más comunes eran el mármol, la terracota y el bronce. En fin, por todas las ideologías a las que las personas se enfrentaban en cada época por distintas razones, el arte fue influenciado de gran manera.


La importancia del arte para la expresión ideológica y cultural del hombre. 

La expresión de la ideología es básicamente un conjunto de ideas sobre la realidad y como se refleja en la cultura del hombre dado a la influencia en la sociedad. La importancia del arte para le expresión ideológica y cultural del hombre forma gran parte, ya que a simple vista podemos notar como el arte influye en las personas ya sea por su manera de convivir en la sociedad, o simplemente la manera que hacen para destacar de ella misma. El arte no solo en epocas atras, sino también hoy en dia llega a reflejar por cómo la gente se guia con obras para expresarse, o inclusive para mostrar su enojo. El arte es una forma de expresión infinita, donde una pintura, una obra, una escultura o una composición llegan a reflejar grandes cantidades de emociones que el autor se basa; y posteriormente llega a ser interpretado por nosotros los hombres y que posteriormente de cierta forma nos influencia en cómo reaccionar o saber que esta bien sentir nuestras emociones. La cultura del hombre se puede reflejar a través del arte, ya que muchas veces dependiendo en la época que estaban y que estaba sucediendo si alguna guerra, epidemia, descubrimiento de algo llega a reflejar mucho en las obras o inclusive el conocimiento y como el comportamiento era en esa época. En fin el arte es expresivo, creativo, innovador, un poco espontáneo, siempre lleno de valor y para cada quien tiene un diferente significado. El arte llega a ser todo para la ideológica y la cultura del hombre.


Expresión del aprendizaje personal por cada uno de los integrantes. 

Reflexión Personal - Mariely 
Durante las visitas culturales llegas a aprender de forma física, no de los métodos aburridos de leer libros, o visitar páginas en internet, si no ya se vuelve una manera más atractiva para que nosotros aprendamos, al igual de interactuar y llegar a conocer mas facil nuestra ciudad y saber que museos o centros históricos tiene. Llegue a aprender que una visita cultural hace más facil tu modo de aprendizaje, te crea recuerdos de lo que pasó, y el ir a ver una exposición o obra te saca de tu rutina diaria y crea una forma más sencilla de aprender. Durante la materia de “Literatura Clásica” y las visitas culturales aprendí a analizar, comprender y darle el gusto a tanto las obras de arte como las obras de personajes. Llegas a abrir tu panorama de cómo analizar, ahora te enfocas en que es lo que trata de reflejar el autor o artista, en como se refleja en tu vida y cual es el mensaje de la obra. Sin embargo también logras conocer mucho de la historia mientras se fundó, o se hizo, y como son reflejados todos esos aspectos en las obras.

Reflexion Personal- Ana Karen 
El aprendizaje que me he llevado durante este semestre son los tipos de arte, artistas, escritores etc. Para mi el arte es una Obra o actividad con la que el ser humano muestra simbólicamente un aspecto de la realidad o un sentimiento valiéndose de la materia y la imagen. Excelentes artistas como Miguel Ángel, Leonardo Da Vincci, Rafael Sanzio y Sandro Botticelli, quienes impactaron con sus grandes obras como, La Ultima Cena, La Mona liza, El David, El Nacimiento de Venus etc. Son obras que siguen impactando en la sociedad gracias a sus preciosas imágenes. Al conocer más el arte, visitando obras, museos etc. podemos conocer el significado de cada escritor o artista, ya que generalmente se basan en sus sentimientos. Al estar visitando Monterrey, me di cuenta que soy culta, hay bastantes cosas que se pueden conocer que son interesantes y que impactaron hace unos años atrás. Al principio del semestre no le tomaba tanta importancia al arte pero ya después de investigar varias obras pude reflexionar que el arte es una forma en que las personas se pueden expresar sin palabras, pude visualizar como el arte tiene su propio significado y como poder identificarlo.

Reflexion Personal- Regina 
A lo largo del semestre realizamos múltiples visitas culturales a distintos lugares en los que pudimos encontrar variedades de estilos de arte. En un principio mis compañeros se quejaban de que teníamos que ir físicamente a un museo a realizar las visitas culturales; sin embargo, lo que me impresionó es que estas visitas culturales lograron que los alumnos verdaderamente nos involucremos en la materia y despertaron nuestro interés por el arte y la cultura. Al enseñarnos cada parcial sobre los distintos métodos de crítica del arte, como autores importantes y sus obras maestras, se nos facilitaba el comprender las obras que fuimos a ver y ahora somos capaces de apreciarlas de una manera diferente y mucho más enriquecedora. En lo personal, disfruté muchísimo estas visitas culturales porque son cosas que dejamos de hacer por falta de tiempo o interés y me parece increíble que el Tec intente desarrollar nuestro sentido artístico y nos apegue a la cultura por que estas son las cosas que realmente es importante que sepamos, ya que todo esto es cultura general que algunas veces no procuramos investigar por nuestra cuenta.


Tuesday, May 6, 2014

Tercer Percial

Cabeza Colosal


¿Qué vieron?

El día sábado 21 de Abril, asistimos al Planetario Alfa en donde visualizamosuna cabeza de olmeca hecha de piedra. La cabeza Colosal es la cultura olmeca y esta ubicada en San Lorenzo, Veracruz con un Período de 1500-1200 a.c. Los Olmecas modificaban artificialmente sus cuerpos para acercarse a su ideal de belleza mediante la deformación craneana: aplanaban su frente desde pequeños. El área de la exposición se llama el jardín prehispánico es un espacio al aire libre y consta de 14 replicas representativas de las culturas prehispánicas mas importantes de México.



Materiales de la obra

El artista de la escultura es Elisabeth Casellas Cañellas. Las colosales cabezas olmecas fueron esculpidas de grandes piedras de basalto extraídas de la Sierra de los Tuxtlas de Veracruz. Otros materiales son la obsidiana, el jade, la serpentina y el cinabrio. Para obtener piedra sólida para sus materiales, los habitantes de esta región recurrieron a las canteras de la Sierra de los Tuxtlas.



¿Qué les gustó más?

El jardín Prehispánico es un jardín lleno de magnitudes de piezas representativas de las culturas prehispánicas, en la cual, la que más nos llamo la atención fue la Cabeza de Colosal ya que se puede inferior que es una representación exacta de las caras de los olmecas. Lo que más nos gusto de esa representación es que nos da una sensación de como eran los olmecas en esos tiempos. Se siente que esa piedra tiene vida ya que a la mirada fija te da un sentimiento de temor.



Características Artísticas 

El tamaño de la cara del olmeca daba una sensación de terror, La mirada fija de la cara daba la sensación de que puede tomar vida, tiene colores fríos como el gris ya que representa la antigüedad de la piedra, el ambiente en donde esta situada nos da la sensación de soledad y finalmente la textura de la piedra llega a representar textura rígida, terrosa.



Crucifixión de San Pedro

Miguel Angel
Crítica Histórica del Arte
La Crucifixión de San Pedro es una obra del pintor Michelangelo Buonarroti, mejor conocido como Miguel Ángel. Miguel Ángel fue arquitecto, pintor, escultor y poeta. Miguel Ángel nació 6 de marzo de 1475 en el pueblo de Caprese, en Italia. La obra es un fresco; se le llama fresco porque en principio, la pared que ha sido enyesada se hace con varias capas de cal, y cuando la última capa está todavía húmeda, es cuando se pinta sobre ella. Esta pintado en la Capilla Paolina, ubicada en Roma, Italia. El estilo de este fresco se clasificaría como Renacimiento Italiano. Se podría decir que entra dentro de esta clasificación debido a que el punto clave de esta época es el Humanismo, lo cual tiene como nuevo enfoque el teocentrismo de la sociedad, es decir, el papel central del hombre y sus actos conforme a que ahora adquiere la absoluta libertad dada por Dios, lo cual se puede ver reflejado en el uso de personajes como Cristo que pareciese estar siendo bajado de la cruz ya muerto. A Miguel Ángel le fue encargada esta obra por parte del Papa de la Iglesia. Se trata de una obra llena de sofisticación, confusa, llena de personajes, lo cual es clave del estilo de Miguel Ángel, y se define primordialmente por las circunstancias en las que fue encargada la obra, abarcando las características de la época. Se podría considerar la obra estéticamente valiosa ya que es una obra la cual demuestra un ejemplo de madurez artística de Miguel Ángel. Esta obra es un reflejo de la increíble e inexplicable capacidad de Miguel Ángel de poder pintar directamente al fresco; además de que este no podía tener una visión en conjunto de la obra, la fue pintando parte por parte hasta que al final pudo ver el conjunto que había creado.

Artístico

Miguel Angel
La escultura echa por Miguel Ángel llamada “ La Virgen en la Escalera” es una obra que a simple vista podemos observar como a la Virgen la proyectan como delicada, y como superior ya que es el enfoque mas grande en la escultura. Sin embargo en la escultura el color llega a ser tono piedra ya que esta echa de mármol esculpido, su línea principal es vertical cual llega a reflejar fuerza, pero esta fuerza puede determinar la pasión de los ángeles hacia la Virgen como su amor y adoración han sido demostrados en la escultura. Su textura dado a que es mármol tiende a ser suave. El espacio en la obra es cerrado, por lo que solo muestra esa parte de la imagen, es una sección que solo demuestra la acción de los ángeles subiendo la escalera y uno sentado en el regazo de la Virgen como adoración e inclusive un echo de maternidad ya que refleja como se protegen o acobijan sus miedos o temores en la Virgen. El balance de la escultura es con armonía ya que refleja el fin, es decir a donde va, que implementa y como todo se justifica. El énfasis primordial es la Virgen ya que es la que demuestra fuerza, maternidad y protección. Por ultimo la proporción es correcta ya que da un sentido de orden al usar las proporciones correctas en tamaño, forma y color.

Primer Parcial

La Venus de Arlés



CRITICA DEL ARTE

En la Escultura ¨La Venus de Arlés¨, se observa una mujer de pie la cual parece estar volteando a su lado izquierdo, su mano derecha sostiene una manzana y la izquierda reposa sobre su cadera. Porta una túnica lo cual cubre la parte inferior de su cuerpo mientras que su parte superior prevalece descubierta. Su tono es marfil ya que esta esculpida de mármol sin embargo se ha deteriorado a través de los años.  El pelo de la mujer es rizado y esta recogido, dejando ver su rostro inexpresivo.

La escultura ¨La Venus de Arlés¨ muestra la delicadeza como un factor clave que y se intenta transmitir por medio de la escultura; representa a la mujer, como su belleza esta ante todo. Las curvas en la parte inferior de la túnica transmiten fluidez, así como las horizontales en la parte de la túnica alrededor de su cintura transmiten sentimientos de calma. Podemos apreciar que la escultura tiene forma ya que posee altura, anchura y profundidad, lo cual nos deja claro que tiene un espacio tridimensional. Se puede apreciar el uso de la proporción correcta ya que la mujer se encuentra proporcional a lo que es un ser humano real.

La escultura ¨La Venus de Arlés¨ muestra la delicadeza que representa una mujer, como su belleza esta ante todo. Las líneas las cuales resaltan sus curvas ayudan a determinar su forma la cual es semejante a la de una mujer real. Se podría decir que “La Venus de Arlés” transmite calma y tranquilidad, cualidades que suponen tener las mujeres; se muestra además un concepto de belleza y delicadeza gracias a sus facciones y a sus características como la posición de sus manos. 

Se podría decir que la escultura se identifica con la teoría del arte del imitacionalismo debido a que es una escultura que imita la imagen de lo que es un ser humano real; además, su rostro transmite sentimientos y sus posiciones son muy humanas, lo que hace que la escultura asemeje lo que es un ser humano real con sentimientos y habilidad de movimiento.

HISTORIA DEL ARTE

La Venus de Arlés, es una estatua de arte romano de la antigua Grecia clásica. La estatua fue esculpida en mármol de Himeto en el periodo imperial que corresponde a finales del siglo 1 A.C.. La estatua mide 1.97 metros y es una copia romana de la estatua griega del escultor griego Praxíteles quien hizo la famosa Afrodita de Tespias. La Venus de Arlés actualmente se encuentra en el Museo de Louvre en París, Francia.

La obra pertenece al género del clasicismo tardío el cual buscaba que las imágenes fueran mas atractivas a los sentidos, mas similares a lo que es el cuerpo real. El clasicismo tardío fue impulsado por los relieves que se realizaron en el año 500 A.C.. En esta época, los escultores buscaban nuevos prototipos de belleza, los cuales se pueden notar en el desnudo femenino el cual pretendía ser el ideal de belleza femenino, como el de los atletas pretendía ser el ideal de belleza masculino. Por esto mismo, podemos observar e inferir que la razón de que la Venus de Arlés se encuentra descubierta, es con la intención de establecer lo que es el concepto de la belleza ideal.

La Venus de Arlés fue descubierta por trozos en el teatro romano de Arlés ubicado en Francia en 1651. Primeramente se encontró la cabeza a 2 metros de profundidad y así sucesivamente se encontró el resto de la escultura. En 1681 se dio a Luis XlV con la intención de servir como decoración de la Galería de los Espejos en el Palacio de Versalles, sin embargo la estatua faltaba de partes por lo que fue confiscada y ha estado desde entonces en el Museo de Louvre sin embargo no se encuentra en exhibición. La manzana y el espejo fueron agregados durante el siglo XVII por François Girardon.

Se podría considerar una obra estéticamente valiosa ya que impone un estilo artístico, el estilo del clasicismo tardío. Puede observarse como la obra es una representación de una mujer real que cuenta con rasgos reales así como transmite sentimientos reales, por lo que cumple con las características de este estilo de la Antigua Grecia clásica.


Erecteon


Crítica del Arte

         En el templo Erecteon se puede observar que es una arquitectura extremadamente vieja ya que como los años pasan el templo va perdiendo cada vez mas partes de su cuerpo. Es un templo griego, hecho de mármol ya que se puede visualizar por medio de la textura del templo. Se puede observar que esta sujetado por seis mujeres en un lado del templo, en la cual, se puede ver que son las esclavas del aquel entonces. El color se ve riguroso, ya que es un tono muy exacto. Es un templo grande, alto y ancho, en la cual fue creado para dejar una historia en la vida.

Dentro del templo se pueden identificar características en la cual nos enseña el porque de su creación. Nos podemos dar cuenta que el templo tiene columnas verticales, en la cual representa la fuerza. Tiene una profundidad y proporción exacta, ya que el arquitecto decidió completar su obra poniendo a seis mujeres del lado derecho. En aquel entonces la mujer no era muy común para ser representadas, ya que el hombre era el humano perfecto. El autor hace un énfasis del lado derecho al poner a las mujeres ya que nos hace un pensamiento distinto al colocarlas.
 
El mensaje que nos trata de enseñar el templo es que tanto las mujeres como los hombres somos humanos perfectos. Lo que más llama la atención son las seis mujeres vestidas como esclavas. Se puede suponer que es un templo en honor a los dioses. El recinto incluye, las huellas de la disputa de Atenea y Poseidón el olivo y la brecha abierta en la roca por el tridente cuenta la leyenda que Zeus prometió el Ática a dios que le consiguiera un bien mayor.


La arquitectura es realmente valiosa, ya que tiene una organización efectiva de los elementos, se puede observar en el templo que tiene todo en orden y que cada parte del templo representa algún dios u significado del creador. Dentro del templo se refleja la elegancia, proporción, armonía, simetría, en fin, belleza. Frente a la elegante sencillez del Partenón, el Erecteion aporta su riqueza, su variedad y sus excelentes y delicados detalles ornamentales.

Historia del Arte


         El Erecteon es un templo griego erigido en el lado norte de la Acrópolis de Atenas en honor a los dioses Atenea Polias y Poseidón y a Erecteo, rey mítico de la ciudad. El temple fue construido por Filocles, entre los años 421 y 406 a. C. para reemplazar al antiguo templo de Atenea Polias que había sido destruido por los persas el 480 a. C. durante las guerras médicas. Su nombre significa “el que sacude la Tierra”, uno de los epítetos áticos de Poseidón, dios del mar y de los terremotos.


Dentro del templo se pueden identificar características en la cual nos explican porque el templo fue creado. El Erecteón se presenta como un gran templo jónico con dos cellas, una dedicada a Atenea mirando al este, y la otra consagrada a Poseidón, a la que se accede a través de un amplio vestíbulo por el lado nórdico del templo, con cuatro columnas en el frente y una a cada lado. El más grande, al este, es una cella con un pórtico jónico. En el lado norte, hay otro gran pórtico con columnas y al sur está el famoso pórtico de las Cariátides donde seis estatuas de mujeres jóvenes cubiertas, sirven de columnas soportando el entablamento. Estas mujeres son ciudadanas de la ciudad de Cariátide. A la ciudad, en la cual, los atenienses le declaró la guerra y vendieron a sus mujeres como esclavas. Estas estatuas son esculpidas en mármol para recordar la suerte de los que colaboraron.

Erecteon es conocido como uno de los templos mas importantes y significativos para todo Grecia, la época en la que se desarrollo fue cuando toda la comunidad Griega vivía en el entorno de los dioses, el alabarlos, adorarlos e inclusive dar su vida por ellos. Este temple refleja la adoración del pueblo hacia Atenía Polias, Poseidón y Erecteo (nombrado en su honor). El templo le dejaba a la cuidad un lugar seguro, donde podían rezar, y a su misma vez sentirse protegidos. El temple refleja unos de los entornos mas significativos para Grecia, ya que demuestra la gran alianza de las comunidades hacia sus dioses, y como obedecían todos los mandatos que ellos les otorgaban.

La pieza de arquitectura es históricamente valiosa por muchos factores, y uno de los mas importantes es la gran representación o efecto que tiene sobre los griegos, su comunidad como este templo representaba un lugar seguro, donde los Dioses los vigilaban y escuchaban mientras ellos los adoraban. Estas obras impusieron un estilo artístico pero mas que nada se creo como un espacio de fe, un templo donde ellos podían reflejar todo su amor ante sus dioses. Posteriormente se fueron creando mas templos, cada uno con sus diseños únicos, sin embargo seguían con la tendencia de las grandes columnas para sostener el templo que representaban la fuerza, lo sobre natural y la base de la fe de los griegos. Esta obra refleja madurez, esperanza y gran pasión.

Características artísticas en Los Miserables



La iluminación decaía en los momentos más dramáticos, lo cual creaba un ambiente de tensión y agregaba drama. Los vestuarios variaban dependientes de quienes los portaban; para los personajes de clases mas bajas, usaban vestidos en tonos neutros y opacos para las mujeres y los hombres tenían los mismos tonos, sin embargo portaban pantalones y camisas simples, éstos tonos representaban la baja calidad de tela representando su nivel económico, provocando cierta tristeza y depresión. Para los personajes con más alto nivel social, podíamos notar que usaban ropas de tonos más alegres y vivos, lo que provocaba un poco mas de alegría y color a la obra. La música era instrumental y en vivo, lo cual le daba calidad a la obra, podíamos notar el cambio de melodía en las diferentes escenas de la obra; usando baladas tranquilas y tristes en escenas específicas creando un ambiente de dolor, como también el uso de canciones mas alegres en distintas escenas, creando un ambiente mas vivo y con mayor tensión. Finalmente, la escenografía fue una adaptación a la época de Francia en el siglo XIX, muy estructurada, lo cual ayudó a que la obra pareciera muy real.















¿Qué nos gusto más?

Los Miserables es una obra muy asombrosa ya que todos los diálogos son cantados por los mismos actores. Lo que más nos gusto fue cuando la encantadora Cosette conoce al amor de su vida, Marius, la cual, se enamoran a primera vista y terminan siendo esposos. Creemos que esa parte de la obra fue la más encantadora ya que nos lleva a reflexionar cuando será que conoceremos al amor de nuestras vidas y el padre de nuestros hijos. Además, encontramos la parte de la pelea final muy buena debido a todos los efectos que usaron en la obra, recreando una verdadera batalla lo cual fue fascinante; sentimos mucha tensión ya que tanto los efectos de sonido como la escenografía eran muy buenos.


























Sobre la obra...

Los miserables es una de las novelas más conocidas del siglo XIX. Fue publicada en el año 1862 y fue originalmente escrita por el novelista francés Víctor Hugo, después convertida en una comedia musical de Alain Boublil y Claude-Michel Schoneberg. El relato de "Los Miserables" comienza cuando Juan Valjean, el personaje principal, es condenado a prisión diecinueve años por un crimen cometido. Jean Valjean logra huir y la obra narra y entrelaza las vidas y relaciones de diversos personajes en Francia, en un ambiente tanto rural como capitalino. Jean Valjean logra tener una vida normal después de su condena y logra tener un puesto de importancia; Jarvet, un soldado, descubre que Valjean no es nada mas que un ex convicto por lo cual hace de su vida una búsqueda por terminar con el. En su camino por huir, Jean Valjean se encuentra con Cosette, quien es hija de Fantine; la cual tuvo que darla en adopción ya que no tenía dinero para mantenerla, después Fantine muere. Cosette se convierte en la razón de vida de Jean Valjean y la adopta. Cosette se enamora después de Marius, un revolucionario de la época. La obra desarrolla las historias de los personajes previamente mencionados y las entrelaza en el desenlace de la obra.La obra nos muestra las diferencias entre las clases sociales existentes, expone la historia de Francia, la política a falta de un gobierno estable lo que conlleva a la Revolución Francesa en 1789, entre otros temas de importancia de la época. La obra se enfoca en describir la realidad que existía en Francia a mediados del siglo XIX; usando elementos como la música para complementarla y hacerla así uno de los clásicos mas famosos de la historia.
Cosette
Eponine

Eugene Vidocq  modelo para Jean Valjean
Fantine y Cosette


Jean Valjean





Los Miserables

El día sábado 19 de enero, asistimos a la obra “Los Miserables”, un musical de Alain Boublil y Claude-Michel Schöneberg, basado en la novela de Victor Hugo. El musical originalmente se presenta en francés, por lo cual tuvo que ser traducido al idioma español. La obra fue organizada por el Tecnológico de Monterrey en el Auditorio Luis Elizondo. El encargado de la dirección general y la producción ejecutiva fue Luis Franco, quien contaba con otros miembros del equipo los cuales se encargaron de la organización restante de la obra.










Thursday, March 13, 2014

La Catedral de Saint Denis

Saint Denis
La Basílica de Saint-Denis (San Dionisio) se encuentra ubicada al norte de París. La catedral es conocida por ser el lugar de sepultura de la monarquía francesa, además de tratarse del primer templo de grandes dimensiones de estilo gótico y sirvió de modelo para las grandes catedrales del siglo XII. Los orígenes de la catedral surgen con el entierro de San Dionisio, primer obispo de París y santo patrón de Francia, en el lugar en el que más tarde se construiría en su honor la Catedral de Saint-Denis. Durante el año 1136 comenzó la transformación del templo al carácter gótico, que no se vería completado hasta finales del siglo XIII. Algunos de los elementos que la catedral posee, hacen extremadamente notorio su perteneciente al estilo gótico, como podrían ser: los arcos ojivales, los cuales están apuntados hacia arriba, simulando un encaminando hacia Dios. La fachada representa la transición del estilo románico al gótico; el interior es majestuoso y elegante; está dividido en tres naves que se apoyan sobre gruesos pilares, con un nártex en su parte anterior; presenta un crucero con profundo ábside rodeado por una girola sobrealzada del siglo XII y una cripta. Sobre las arquerías de la nave central, del crucero y del ábside se encuentra una elegante galería del triforio y unos altos ventanales, cuya luminosidad quiere transmitir que Dios es la luz y el camino de salvación. Éstas vidrieras son copias, ya que solo se conservan pocos fragmentos originales. Repartidas por el crucero, el ábside y la cripta se encuentran las tumbas reales de los antiguos reyes franceses. La puertas de la catedral en grandes dimensiones, las cuales crean un efecto que minimiza al hombre frente a Dios. Los elementos tenían todos estos significados porque intentaban hacer que las personas tuvieran mas contacto espiritual con Dios y la iglesia. A través de los años la catedral ha tenido múltiples restauraciones y en 1966, de ser basílica fue declarada catedral después de la creación de la diócesis de Saint-Denis-en-France. La obra es considerada estéticamente valiosa debido a que se trata de la primera catedral enteramente gótica y sirvió como modelo para las grandes catedrales del siglo XII. Para mediados del siglo XIII la arquitectura gótica francesa ya se había expandido hasta Inglaterra, España y Alemania, en efecto a casi toda Europa.

La Maestá

La Maestá "Majestad"
La Maestá es un obra que fue pintada en la edad media por el artista Duccio di Buoninsegna, que es de origen Italiano. La Maestá quiere decir su majestad, y por lo que podemos observar en la obra es una representación de la Virgen María cargando a su hijo Jesús. En la obra podemos notar que los tonos utilicados son neutros, el tono azul marino es utilizado en la Virgen María cual da a entender que es lo que el artista quiere que se especifique la obra, refleja como la Virgen para muchos era su salvación, la que implementaba los milagros y a su misma vez implementaba la bondad y bien ante todo. Las líneas vistas en la obra son horizontales ya que los apóstoles o seguidores de María están a la misma altura, dando a aparentar la calma y fe que le tiene ante la presencia de la Virgen. La textura es real, ya que refleja una escena de lo que paso en la edad media que ante todo creaba lo mas similar y real hacia la realidad. Las figuras de la obra son bidimensionales ya que es reflejada por las otras figuras de los seguidoras de la Virgen. El espació es tridimensional o real ya que te lleva a aparentar que estas en una habitación donde hay profundidad, la altura varia, al igual que la anchura, para representar la profundidad y darle un toque mas realista e innovador.